Fancómic

Tras el enorme éxito alcanzado por Arrugas, por la que obtuvo el Premio Nacional de Cómic 2008, en la primavera de este año Paco Roca sacaba su obra siguiente: Las calles de Arena, editada por Astiberri. En resumen se trata de la historia de un hombre que se pierde en un laberíntico barrio de su ciudad donde va encontrando personajes que dan lugar a situaciones curiosas y desconcertantes.

En esta obra Paco Roca se instala en un cruce de caminos literarios que vienen desde el surrealismo, lo onírico, el realismo mágico. Las historias imposibles de los personajes del cómic y, especialmente los miedos que llevamos con nosotros, cargan de fuerza las andanzas de este visitante en un mundo absurdo.

Es realmente meritorio que Paco Roca no haya querido hacer un "Arrugas 2" pero obras como Las calles de arena rozan el peligro de ser simplemente una acumulación de referencias y guiños literarios, una muestra erudita ostentosa. Sin embargo creemos que el cómic salva bien este peligro mediante una estructura narrativa que permite que los hechos se sucedan con cierta naturalidad y lógica si es que podemos hablar de esas cualidades en el universo descrito en este cómic.

Nos gustaría decir lo mismo del aspecto gráfico, del dibujo, por otro lado ya bien conocido por los seguidores de Paco Roca. Es difícil hacer anotaciones estilísticas a un autor que pertenece ya al star system (no sabemos si a su pesar) de lo políticamente correcto, de ese cómic social o pedagógico que encuentra tanto eco entre los bienpensantes. Valoramos el enorme trabajo de guionizar Las calles de arena pero las viñetas, el dibujo, el color no recoge ninguno de los aspectos que destacan en el cómic y que ya hemos citado: surrealismo, magia, lirismo.

Si el cómic como género debe combinar texto y dibujo Paco Roca ha descargado todo el peso expresivo y narrativo en el guión, en la historia,  y abandona completamente el dibujo a la suerte habitual; si apartamos los ojos de las letras no hay capacidad alguna para generar emotividad o argumento desde el gráfico.

Una pena, por que Las calles de arena es una historia fantástica para unas viñetas muy convencionales.

Julio Pesquero

Svo. Municipal Bibliotecas A Coruña

| Las calles de Arena / Paco Roca | 2º ed. | Astiberri, 2009 | 102 p. : color |  ISBN 978-84-96815-91-9 |

-O mar está enfermo- espetoume un percebeiro cormés no medio da celebración da XVII festa do percebe do roncudo na súa vila. Ante a cara de estupor que amosei, preguntoume, -Algunha vez liches Momo?, de Michael Ende-. -Si, si, por suposto- lle dixen. -Pois aquí pasa o mesmo que en Momo. Os señores do traxe gris prometéronnos diñeiro (non tempo)… e canto nos durou?. Creo que no primeiro verán fundin toda a pasta, pasei un verán de puta madre, pero cando rematou convertinme nun percebeiro sen percebes que coller. Comecei a volverme tan gris como esta festa. Unha festa que non é nin a sombra do que un día foi-.

Todos?. Parece que Carlos Portela aínda o ten gardado na memoria. Por iso con “A conta atrás” querenos presentar a verdadeira historia do desastre do Prestige, nunha obra na que a pesar de non estar os nomes reais de barcos, políticos, persoas, vilas…, vemos reflectido todo o que aquí aconteceu. Quizáis este recurso narrativo dalle a obra un carácter máis universal (puido pasar en calquera parte, con calquer goberno), quizáis é unha excusa literaria para facer ao lector partícipe da narración, ou quizáis é unha nova maneira de facer cine (se algún de vós viu “Memento” sabe a que me refiro), pero do que non cabe dúbida é de que está cheo de verdades que no paran de golpearte a cada páxina.

Por se isto fose pouco, Portela xoga coa visión do lector presentando os últimos feitos, dunha historia que a priori coñece, ao principio do tebeo. Así veremos como se van desenvolvendo tódalas situacións cara atrás ata, supoñemos, o principio do desastre.

Autobiografía, ensaio crítico, periodismo de investigación… unha historia de interéses politicos e manipulación mediática na que ninguén está exento de culpa. Nin sequera ti. Ti que coma min esqueciches que o mar está enfermo, e agora as vosas conciencias máis tranquilas e o noso corazón baleiro.

Iván Serrano

Mientras mostrábamos un cuento troquelado a unos niños de tres años, entre sus páginas emergió una libélula. – Ooooh, exclamaron los pequeños, extasiados.
- “Esto es…una libélula”. - ¡una libélula! (léase con acento prosódico la sílaba “LU”) ululó una nena encantada, saboreando la palabra como sólo una enamorada puede salmodiar un nombre que contenga la sensual letra “l”.

Y así me sentí ante cada viñeta de “El Mago Descalzo”: con esa sorpresa inocente de quien descubre un tesoro oculto entre cubiertas.

Últimamente no me permito emotividad en las reseñas. Se me pide un pantallazo y respondo con pragmatismo: el argumento es tal, la ilustración es cual. Tampoco tengo mucho tiempo para dejar rastros de mí en las palabras. Siempre me sorprende la gente que con rigurosa asiduidad vomita alma, corazón y vida en la red, porque yo solo en el trabajo me permito unas porciones de Cronos para encarcelar mis pensamientos a través del teclado.

Se hai algo que nunca fai Alan Moore é decepcionar. Dende que comezou a escribir para 2000 AD ata crear a súa propia liña editorial ABC (America´s Best  Comics) no que tódolos guións son escritos por él, mostrou un profundo amor polas viñetas e deunos as mellores historias da novena arte. Agora está en boca de todos Watchmen, a que sen dúbida é a mellor novela gráfica de tódolos tempos; V de Vedentta, que me deixou na retina unha das mellores conversas que vivín, xa non como lector, senón como persoa (a conversa entre V e a estatua da xustiza); From Hell que revive o mito do asasino das rúas londinenses “Jack el Destripador”.

Obras que cun extraordinario guión, unha planificación fora do común, un plantexamento de páxina hiperdescriptivo (os guión que Alan Moore manda aos seus debuxantes son tan descriptivos que a planificación dunha viñeta é unha páxina chea de texto. Cada páxina contén tanta información agachada que é prácticamente imposible descifrala toda) e unha reinvención constante dos recursos literarios e gráficos por parte do autor, engaden ao trasfondo das súas lecturas unha complexidade dificil de igualar.

Unha complexidade que é prácticamente imposible transportar a gran pantalla. De ahí que Alan Moore renege das adaptacións cinematográficas das obras antes nomeadas, tachandoas de “porquería” e pedindo que nin sequera apareza o seu nome nos créditos. Das adaptacións a gran pantalla das súas obras a que sen dúbida saíu peor perxudicada foi La liga de los hombres extraordinarios. Unha historia na que se mesturan o amor pola literatura coa capacidade de inventiva deste monstro do tebeo.

“El Imperio Británico siempre ha tenido dificultades para distinguir entre sus héroes y sus monstruos” espétasenos ao principio do tebeo, antes de inmiscuirnos de cheo nunha extraña busca dos personaxes máis salientables das nosas novelas favoritas da Era Victoriana. Entre numerosas e numerosas referencias a estas novelas (A rúa Morgue, Sherlock Holmes, Fantomas, Arsene Lupin, Moby Dick, Cinco semanas en globo,….) atopámonos co elenco principal de personaxes que son nin máis nin menos que: Mina Harker (Protagonista feminina de Drácula coa que Moore nos intenta enganar utilizando o seu nome de solteira, Wilhemina Murray), Allan Quatermain (o heroe colonialista que protagoniza “As minas dos Rei Salomón” entre outras historias de Haggard), o Capitán Nemo (protagonista da máis famosa novela de Jules Verne “20000 leguas de viaxe submarina”), o Dr. Jekyll e o seu alter Ego Mr. Hyde (que non precisan presentación), e Hawley Griffin (a personaxe máis complicada de debuxar para O´Neill, O Home Invisible) que se terán que enfrontar aos perigos que supón loitar contra os archienemigos da Coroa Britanica Fu Manchú e o Profesor Moriarti.

Se a primeira novela che deixa sen alento (non só polo impredecible final, senón polo inútil que te sentes por non pillar tódalas referencias bibliográficas), na segunda parte seguimos para bingo cando a “liga” ten que se enfrontar á invasión marciana descrita na “Guerra dos Mundos” para logo bla,bla,bla,bla,bla,bla… non vos vou dicir nada máis.

Hai que lelo pero xa, vos aseguro unhas boas comidas de tarro tentando descubrir quén é quén na Liga dos homes extraordinarios, ademáis de pasar un máis que bo rato ao lado das personaxes que nos viron medrar.

Lord Iván Serrano

Verano de 1967. Kenichi, un niño de 11 años, y su hermana menor, Sakiko, pasarán ese estío con sus abuelos en Tottori, una ciudad de origen medieval construída en torno a un castillo que se alzaba en la cima de una montaña. Pero esto no les produce deleite ya que su madre está gravemente enferma y debe de ser  hospitalizada en Osaka.  El verano no es felicidad porque, pese a su corta edad, Kenichi está abrumado por los recuerdos de un pasado mejor, un tiempo en el que su padre aún estaba vivo y su madre sana. Así que el protagonista deja transcurrir las horas vagabundeando por las misteriosas ruinas del castillo, sobre las que pesan todo tipo de leyendas.

La historia incrusta de forma cristalina recuerdos de la infancia y la naturaleza como nos tiene felizmente acostumbrados Jiro Taniguchi. Pero en este caso y como bien anuncia el título, la acción se desarrolla lejos de la racionalidad de “Seton el naturalista viajero” o “El viajero de la tundra”, por poner un par de ejemplos.

Y es que a medida que vamos despojando el envoltorio del argumento casi esperamos encontrarnos con el delicioso Totoro, o quizá con Ponyo, protagonistas de las películas homónimas de Miyazaki (nota para puristas: omitiendo que sean “vecinos en acantilados sobre el mar”). Sin embargo el mononoke –espíritu del bosque- de Totoro es sustituido por una salamandra gigante que, como explica el autor en la entrevista que clausura el manga, es el animal mitológico por excelencia en Tottori.  

Pero no sólo es este aspecto mágico el que comparte con el maestro Miyazaki ya que este mural también se compone de la exaltación de la niñez, la emotividad generada por los lazos familiares, la incomprensión del mundo adulto por parte de los niños, el temor hacia la pérdida que supone la muerte, el respeto por el medio ambiente, el valor de  la naturaleza y su interacción con los humanos.

El artífice ofrece una hermosa y colorista historia. En una delicada sinestesia la fragante naturaleza puede percibirse a través de la frescura de los colores y cada viñeta se transforma en una postal que nos remite a un pasado que si bien carece de antigüedad sí es lo suficientemente remoto como para que adquiera tintes de tiempo precioso.

Jiro Taniguchi nos arrastra hacia la vorágine de un cuento que difumina los límites entre lo real y lo fantástico, que agradará tanto a quimeristas como a estetas.

Fátima Elías

Si un cómic se realiza entre dos, hay un guionista que escribe lo que más tarde un dibujante ilustra. Al menos ese es el origen en el que el groso de los mortales concibe los tebeos. Pero en casos como este no es así. Y es que nunca un adverbio de tiempo fue más apropiado: Neil Gaiman escribe mientras Dave McKean ilustra.

Así, los dos  dieron a luz la vida de un cineasta brillante sentenciado a muerte por un cáncer, un hombre que es a la vez germen de un rico mundo interior en continuo proceso creativo, un artista cuya existencia se agota mientras imagina la última película que habría realizado si hubiese dispuesto de un poco más de tiempo.
He interpretado el cómic como una mirada íntima y realista en la mente de un director que ignora que el celuloide que imagina está siendo visto por nosotros, para él sólo existe en su fantasía.

Nuestros ojos avanzan por las viñetas como invisibles visitantes de la galería de su mente,  espectadores que se rinden ante la forma en que esa sencilla película encarna todo lo que está viviendo el artista mientras sucumbe al cáncer.

Señal y ruido combina a la perfección arte y literatura conformando una obra expresionista que explora y  explota todas las herramientas disponibles para transmitir, letra a textura y textura a letra, cada estado de ánimo. Como todos sabemos, a lo largo de los años se han  creado cómics que han modificado totalmente el medio y que han volatilizado la estereotipada imagen que la sociedad tiene de los tebeos. Hace 16 años Señal y ruido seguramente fue uno de ellos al plasmar en sus páginas arte e implicación social. Es probable que mi compañero Iván, aún más ferviente admirador del trabajo de estos autores, pueda ampliar mi punto de vista y convertirlo en un boquete, pero humildemente afirmo que estamos ante la quintaesencia del trabajo del tándem Gaiman-McKean.  

En las bibliotecas podéis llevar en préstamo además el resto de sus obras porque este talentoso equipo siempre os embarcará en una lectura de calidad, pero ahora  no puedo evitar contemplar este libro como la genial encarnación de la ocurrencia que bombeó la sangre del género.

Fátima Elías Busto

 
Ainda que non temos confirmación oficial o noso reporterio Iván Serrano cóntanos que o día 12 de decembro na Librería Alita do Orzán haberá unha presentación do novo cómic de David Rubín titulado Caderno de Tormentas. Cando sepamos máis informaremovos vía sms.

Para coñecer este Caderno de Tormentas o mellor é que os transcribamos o que o propio David Rubín pensa da súa obra:

“Cuaderno…" es una metáfora de 112 páginas sobre la búsqueda de la inspiración, sobre el tortuoso camino que es la creación, sobre lo peligroso que puede ser la dependencia de las musas a la hora de encontrar historias que contar. Al mismo tiempo es un viaje por el mapa de la ciudad más terrible y al tiempo fascinante del mundo, un "flashback" gigante que poco a poco irá desvelando las claves de porqué el protagonista de la historia aparece medio muerto al comienzo de la misma -y esto no es spoiler; comienza así-.

En definitiva; una sola historia larga que contiene en cada una de sus páginas una o más historias que conforman un todo. Es, posiblemente, mi obra más personal y difícil hasta la fecha, y quizá la más críptica -aunque he trabajado mucho en que, pese al cripticísmo que a primera vista pueda mostrar, la lectura del cómic sea fluida y se entienda sin ningún problema por cualquier tipo de lector, iniciado o no.

"Cuaderno…" está muy alejado de la atmósfera de "La Tetería del Oso Malayo", por ejemplo, en forma y fondo, porque siempre he creído que es mejor arriesgarse saltando sin red y avanzar casillas como creador que quedarse estancado en formulas que ya has comprobado que funcionan. Eso no quiere decir que no retome en un futuro más historias con Sigfrido dentro de ellas, pero , al menos ahora, necesitaba probar algo totalmente diferente para ponerme a prueba a mi mismo, para no dormirme, para explorar nuevos terrenos dentro del medio y dentro de mi propio talento y limitaciones; en definitiva: hacérmelo difícil a mi mismo.

Y una vez culminado este baile por el borde del abismo que es "Cuaderno de Tormentas" me siento mucho más fuerte y preparado para contar cualquier otro tipo de historias, para retomar proyectos o afrontar otros nuevos igual o más arriesgados que "Cuaderno…".

Pois iso.

“Amaranth” suena en el móvil a modo de alarma. No hay tregua, cantaban los Barricada. Es lunes y hay que ir a trabajar. Llueve. El bus va  repleto de abrigos mojados, ruído y sueño. Por la tarde, hago malabares con las bolsas de la compra y el paraguas mientras busco las llaves. Pero en casa hay zapatillas y un cómic siateleita. Jeje. Hoy es de esos días que tanto exasperaban a Frasier.

“La madre ardilla” consta de varias historias cuyas protagonistas son adolescentes y mujeres jóvenes. La mayor parte de los relatos versan sobre temas de abandono, creatividad, búsqueda de identidad y también sobre la imagen física, tan importante hoy en día como proyección de lo que somos ante los ojos de los demás. No son relatos sobre gente solitaria; Megan Kelso profundiza en las intrincadas relaciones interpersonales que se establecen en situaciones sociales complejas, un aspecto que se está explotando –con más o menos acierto- en las nuevas generaciones del cómic americano.

El estilo naíf de Megan Kelso es de esos que, o deslumbra por su sencillez o provoca indiferencia por su ausencia de pretensiones. Pero en este último caso la profundidad de las historias completará la simplicidad gráfica.

¿Qué destaco de esta obra? Sin duda,  los escenarios.  Ignoro si es totalmente autobiográfica o si lo es al menos alguna de sus historias, pero intuyo que Kelso captura sus recuerdos de un Seattle gris que proyecta una malhumorada sombra a través de las viñetas (nada que ver con el Seattle amable que conocí a través de los afectados y encantadores hermanos Crane) . Y es que en el grueso de las historias subyace el peso abrumador que se acumula en los hombros de los adultos, ese que aplasta las posibilidades de felicidad personal.

Quizá opinéis que no es el más adecuado de los cómics para leer un día plomizo y lluvioso pero os aseguro que es altamente recomendable. Y ahora si me disculpáis, me voy a leer mi Bone 8, recién salidito de imprenta.

|Título: La Madre Ardilla | Autor: Megan Kelso | Editorial: La Cúpula | Año: 2007 | Extensión:  149 p. color | Catalogo das Bibliotecas Municipais da Coruña |

 

| Arrugas | Paco Roca | Astiberri | 2007 | 1 vol. color | Catalogo das Bibliotecas Municipais da Coruña |

Dibujar un traje de los años 50 no debe ser difícil para un ilustrador de cómic pero si se lo tienes que poner a un gato, a una cabra o una jirafa y que no te parezca una película de Disney la cosa se complica más. John Blacksad es un detective privado, moviéndose en los bajos fondos de una Norteamérica habitada por animales antropomórficos en la década de los cincuenta. Así leído os puede parecer ridículo; en absoluto, es una obra fascinante. ¿Por qué?

El guión: El patrón de este guión de Juan Díaz Canales bebe de las fuentes clásicas de la literatura y el cine negro (Dassiel Hammett  y sobre todo Raymond Chandler ) y por tanto respeta todas las convenciones del género, básicamente tipo duro pero bueno en un mundo difícil y corrupto. En cada una de las 3 historias autoconclusivas de esta serie ha usado como fondo alguna temática social o política de interés como el nacionalismo-racismo o el primer macartismo norteamericano. Si sois aficionados al género negro no esperéis ninguna sorpresa en Blacksad por que Díaz Canales se ha ajustado estrictamente al canon.

Pero dejando a un lado la sorpresa inicial del universo animal (como digo algo que se diluye tras la primera viñeta) Juanjo Guarnido somete a su pincel a una intensísimo trabajo de documentación y que se manifiesta en la representación de edificios, calles, modas o coches, un naturalismo visual que encaja milagrosamente en un mundo de garras, bigotes y colas. Sólo por recrear ésta época y su color merece la pena este cómic.

En definitiva Blacksad supone un soplo original partiendo de esquemas clásicos. No os lo perdáis, es magistral  en el dibujo y color y ya sabéis que si acudís a nuestras bibliotecas municipales además es gratis. Os gustará sumergiros en este mundo de tristeza negra.

J. Pesquero

| Blacksad | Guión Juan Díaz Canales ; dibujo Juanjo Guarnido | Norma | 2000-2006 | 3 vol. color | Catalogo das Bibliotecas Municipais da Coruña |

El hiperpréstamo de las series de manga en la biblioteca fluctúa como llevado por  las mareas. Aún no acierto a comprender el motivo del temporal éxito de unas sobre otras (que pongan su versión anime en  TV, el boca a boca, el estreno de un videojuego…) pero el caso es que el año pasado InuYasha desplazó a Naruto a una vida más tranquila en las estanterías de la biblioteca. Mas, desde Enero, el perro-demonio decayó y los reyes del shonen son Ichigo –Bleach- y el capitán Luffy  -One Piece- . Sin embargo, desde inicios del verano, otro manga apunta a que este año el podium del “shonen campeón de invierno” se ancheará para dar cabida a una terna: el joven Naruto Uzumaki ha desaparecido de las baldas para pulular entre bolsillos.
 
Naruto es una saga donde prima la amistad, la diversión, la aventura y el suspense pero si todavía hay álguien que no sepa de qué trata, quizá con este resumen se interese por el joven cuya bandana luce el emblema de “La aldea oculta de la Hoja”.

La historia de Naruto comienza antes de que él mismo tenga memoria. Doce años antes del inicio de sus aventuras, Konoha, la más grande y poderosa de las aldeas ocultas de los ninjas, es atacada por un Kyuubi o demonio-zorro de nueve colas. Este tipo de demonio se caracteriza por su extrema peligrosidad: un giro de cada rabo puede provocar un tsunami y en un solo golpe es capaz de aplanar una montaña. El Kyuubi sembró el caos, la destrucción y la muerte. Fue  finalmente Yondaime, cuarto Hokage (líder) y más diestro ninja de Konoha, quien decidió sacrificar su vida para salvar a los suyos, encerrando al demonio en el interior del cuerpo de un bebé de la aldea, Naruto Uzumaki. El valiente Yondaime pidió a los suyos que respetasen a Naruto y lo tratasen como a un niño normal, pero no resultó así: el chico creció siendo temido por los aldeanos, a la par que detestado.

Fátima E. Busto

Para  Belén y Paloma, las “Narutas” que me acercaron al rubicundo ninja.